Anthropologie des Hörspiels

2023-08-29 by Holger Schulze | 0 comments

Regina Rabolt forscht als Doktorandin am Department für Neuere deutsche Literatur- und Medienwissenschaft des KIT Karlsruhe über „Die Funktion der Musik im Kriminal- und Pop-Hörspiel des öffentlich-rechtlichen Rundfunks seit 2000 – eine interdisziplinäre Untersuchung“. Sie stellte mir die folgenden Fragen.

RABOLT: Das Schreiben über das Hörspiel verläuft anders, als das Schreiben über literarische Texte, denn die anschließenden Darstellungen werden überwiegend aus dem Hören entstehen. Viele Hörspiele müssen zwei, drei Mal gehört werden, bevor es möglich ist, darüber zu schreiben. Doch wer dazu bereit ist zu hören, der wird oft davon überwältigt sein, was im Hörspiel alles möglich ist, welche Schönheit und Vielfalt sich ihm eröffnet.

Ihr Forschungsfeld ist die Anthropologie des Hörens: Wie Menschen hören, was sie gerne hören und was nicht so gerne. In jedem Alltagsmoment des Lebens liegt Ihr Forschungsfeld – das Leben mit den Klängen. Bestimmte Klänge wecken Gefühle in uns, Momente des Genusses, Erinnerungen, Beziehungen aber auch der Abwehr und der Furcht. Eine der spannendsten Fragen der Emotionsforschung ist, warum uns Musik emotional berührt, besteht sie doch nur aus leblosen Frequenzen, die keinen offensichtlichen Zusammenhang mit dem menschlichen Gefühlsleben erkennen lassen. Und doch ist die Musik die Sprache der Gefühle. Musik wird hierbei häufig als universelle Sprache bezeichnet – hat sie aber auch eine universelle Wirkung?

Maximilian Schönherr, CC BY-SA 3.0 https://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0, via Wikimedia Commons

SCHULZE: Die universelle Wirkung von Musikstücken scheint mir mittlerweile eine der ausdauerndsten, immer noch weit verbreiteten und am wenigsten triftig belegbaren Annahmen über das Hören und unseren Genuss daran. Tatsächlich liesse sich diese Universalität ja nur prüfen anhand der Effekte, die ausserordentlich fremde Genres und musikalische Darbietungen auf Menschen aus weit entfernten Kulturen haben. Das erweist sich aber als wirklich schwierig. Kleinste gemeinsame Nenner lassen sich sicher finden wie bestimmte, grundlegende Rhythmen, simple Gesangsdarbietungen oder ebenso einfache Muster einer Rhythmusgruppe oder eines Ensemblespiels. Doch schon innerhalb der Musikkultur, die wir gerne als die unsrige bezeichnen wollen, scheint es schon schwer zu sein, Musik zu geniessen und als universell zu bezeichnen, die nur wenige Jahrhunderte oder gar Jahrzehnte alt ist: können Personen des frühen 21. Jahrhunderts komponierte Musik aus dem Europa des frühen 20., des 17., des 10. oder des 3. Jahrhunderts tatsächlich geniessen oder verstehen? Die Musikpädagogik und auch Musikgeschichtsschreibung zeigt: ja, es lässt sich ein Wissen wohl aneignen über die Musik jener Jahrhunderte, das dann einen Genuss uns auch heute erlaubt. Doch diese Notwendigkeit des Unterrichts, einer beherzten und engagierten Aneignung belegt im Grund nichts anderes als eben die faktische Nicht-Universalität der Musik und ihres Genusses. Meine Freude oder mein Erleben dieser Musik ist nicht universell. Es ist partikular, vielleicht sogar in einer radikalen, womöglich verstörenden Weise. Ich argumentiere darum eher für ein durchweg kultur-, biographie- und situationsabhängiges Verstehen, Geniessen und Erleben von Musik. Auch wenn ich damit dann viele liebgewonnene Binsenweisheiten übers Musikerleben leichthändig aus dem Fenster werfe. Denn die Erkenntnisse, die dieses Zurückscheuen vor einem Universalitätspostulat erst erlaubt, sind viel zu bedeutend und hilfreich zum Musikverstehen.

RABOLT: Zur Bandbreite von Gefühlen gehört als sehr bedeutsame Empfindung die Angst und als Gegenteil die Freude. Aber wie klingen sie? Wie wird Angst als auch Freude durch das Medium Hörspiel vermittelt? Oder konkreter gefragt: Wann und wodurch evozieren die Schallwellen beim Zuhörer Furcht und Schrecken – Glück und Freude?

SCHULZE: Das Hörspiel scheint mir, in seiner doch sehr kurzen Geschichte seit 1924 – einsetzend wohl mit Hans Fleschs “Zauberei auf dem Sender” –, einerseits parasitär und andererseits experimentell zu agieren. Parasitär bringen Hörspiele Angst oder Freude hervor mithilfe von immer wieder erneuerten und gewandelten Anleihen aus Filmmusik, aus Filmsounddesign, aus unterschiedlichen Musikgenres sowie aus Comedy- oder anderen Unterhaltungsformaten. Hörspielmacher, die heute ein Empfinden von Spannung oder Bedrohung in den Hörerinnen hervorbringen wollen, tun dies nicht selten mit musikalischen Motiven oder Soundtracks aktueller oder nur kurz zurückliegender Blockbusterfilme. Experimentell allerdings kann das Hörspiel auch neue Hörsituationen schaffen, indem Materialien miteinander konfrontiert, überlagert, amalgamiert werden und so ganz andere, völlig unbekannte Situationen des Hörens entstehen. Diese ermöglichen den Hörerinnen dann das Erleben eines ganz anderen Affektgeschehens: etwa das Erleben von historischer Kontingenz und ideologischem Selbstzweifel in Heiner Müller und Heiner Goebbels „Wolokolamsker Chaussee I-V“ (1989) oder eine rhythmische, synchrone Exkursion in die Vielfalt von Bühnenauftritten in Ferdinand Kriwets „One Two Two“ (1968).

RABOLT: Welche Klangeigenschaften sind für diese Empfindungen charakteristisch und warum?

SCHULZE: Tatsächlich sind es seltener bestimmte, konkrete Klangeigenschaften, die konstant und immer wieder in den letzten bald 100 Jahren genutzt wurden. Sondern ich beobachte hier eher einen historischen Wandel von bestimmten Referenzrahmen und auditiven Vorbildern. Die Hör- und Medienerfahrungen wandeln sich von Generation zu Generation, erst wenig, dann immer deutlicher und mit ihnen auch die Hörerwartungen, das Klangverständnis und die damit einhergehenden sonischen Affekte. So liesse sich etwa das journalistisch aufgeregt und hyperrealistisch dargebotene Grauen in H.G. Wells „War of the Worlds“ (1938) deutlich unterscheiden vom stillen, fast vereinsamten Grauen in der Ursendung von Günter Eichs „Träume“ (NWDR 1951), das dokumentarisch nüchterne und bedrückend-alltägliche Grauen von „Im Zustand der leeren Depression“ von Rosvita Krausz (SDR 1980) ist ein ganz anderes als das eher technische Grauen, vielstimmig zerspielt und lustvoll zelebriert in Andreas Ammer und FM Einheits „Radio Inferno“ (BR 1993) oder auch in der stark filmisch und grotesk zugespitzt inszenierten, schweizerdeutschen Podcastserie „Grauen“ (SRF 2020-23). Diese fünf Beispiele belegen deutlich, wie die hörmediale Inszenierung von Grauen und Angst etwa tatsächlich eng an ihre historischen Formate, Hörgewohnheiten und nicht zuletzt zeittypische Angsterwartungen und Angstlüste gekoppelt ist.

RABOLT: Wie wird Angst/Freude akustisch transformiert, um überhaupt zum Rezipienten transportiert werden zu können?

SCHULZE: Einer Hörspielproduktion liegt ja üblicherweise ein Manuskript zugrunde. In diesem finden sich dann entweder schon Anhaltspunkte zur klanglichen Gestaltung oder das Manuskript wird sogar im Austausch mit Komponisten, Sound Designerinnen, Musikerinnen entwickelt. So stehen nicht abstrakte Affekte wie Freude oder Angst am Anfangspunkt, sondern konkrete Situationen, Dialoge, Handlungsverläufe des Hörspiels. An diese lehnt sich dann die Klanggestaltung und Komposition an, kontrastiert, betont, intensiviert, überspitzt, ironisiert, karikiert oder verballhornt diese. Die Klanggestaltung übernimmt also eine materiale, performative Interpretationsleistung, die freilich eng mit dem Manuskript und der Handlung verbunden bleibt. Eine isolierte Übersetzung findet in diesem Sinne nicht statt. Dennoch gibt es freilich Manierismen, Klischés und Klangzeichen, die immer wieder Einsatz finden und so auch über viele Jahrzehnte erhalten bleiben, von jüngeren Hörerinnen gelernt. Dräuendes Subbassbrummen gehört hier als Ertrag der Blockbusterästhetik ebenso dazu wie ein kreischendes Ostinato ähnlich des Soundtracks in der Duschmordszene des Films „Psycho“ (1960) von Alfred Hitchcock oder angstvolles Flüstern und zitternde, schwer verständliche Stimmen wie in „The Blair Witch Project“ (1999) von Daniel Myrick and Eduardo Sánchez. Hörerleben ist stets auch historisch und medial grundiert, gelernt und munitioniert.

RABOLT: Welche emotionalisierende Funktionsweise beschreiben die drei Trägerelemente des Hörspiels – Musik, Geräusche und Lautlosigkeit?

SCHULZE: Lautlosigkeit ist sicher das problematischste Trägerelement: es kann nüchtern und simpel scheinen. Doch zwischen den vielen Erscheinungsformen der Lautlosigkeit liegen Welten: Lautlosigkeit kann als digitaler Nichtklang verwirklicht werden, aber auch als peinliches Schweigen unter Akteurinnen einer konkreten Situation, wo wir nur noch Atmo und Atmen, peinliches Erstarren hören; oder wir erleben ein kurzes Innehalten, eine Pause der Musik, nach der dann flugs weiterparliert wird, weitergetanzt und -gejagt. Allein diese drei ausgewählten Erscheinungsformen von Lautlosigkeit stehen allesamt für sehr unterschiedliche Affekte und ihre zugehörigen Situationen. Gleiches gilt für die unterschiedlichsten musikalischen Genres, ihre Darbietungen oder Einspielungen sowie das gezielte, zeichenhafte Setzen einzelner Geräusche und Laute. Die drei von Ihnen erwähnten Trägerelemente als solche können somit in einer großen Vielfalt und sehr unterschiedlich genutzt werden. Wichtig ist hier eher ihr konkreter Einsatz, ihre Inszenierung und ihre historische Einbettung. Die Klangmaterialien an sich, die Klangkategorien an sich gibt es somit im Grunde kaum: es gibt historisch und medial verwirklichte Inszenierungen dieser Materialien.

RABOLT: Warum empfindet der Zuhörer Lust während des Hörens, obwohl oder weil er Angst verspürt?

SCHULZE: Die artifizielle Situation des Konsums eines Hörstücks distanziert die Hörerin von dessen Inhalt. Ein Eintauchen in die Handlung kann ich freilich so intensiv erleben, dass meine Aufmerksamkeit auf die ästhetische Form, die technische Apparatur und meine eigene Hörsituation verschwindet: das grauenvolle Monstrum erschreckt mich; die Vereinsamung und Todesangst bedrückt mich; die verwirrende Waffengewalt versetzt mich in Anspannung. Doch die Höraufführung bleibt eine ästhetische Konstruktion, ein Probehandeln, ein Spiel. Ich kann immer wieder aussteigen, das Audiofile stoppen, meine Kopfhörer absetzen. Dieser Aspekt des Spielens, auch des identifikatorischen Rollenspiels ist hier ebenso stark wie etwa bei der Romanlektüre, dem Spielfilmgenuss, einem First-person shooter oder Open-world game, beim Konsumieren von Pornographie, beim Bungee jumping oder einer Achterbahnfahrt: ich erlebe zwar affektiv direkte Furcht, Angst, Schreien oder Schock, Neugier und Glück, Genuss und Hoffnung, Optimismus und Euphorie. Doch alle diese Erfahrungen sind gerahmt und affektiv relativiert durch meine Nutzungssituation. Ich sterbe nicht, wenn eine Person, mit der ich mich identifiziere, getötet wird. Ich steige nicht aus meinem Berufsleben aus, wenn eine solche Person Milliarden gewinnt oder den Job ihres Lebens angeboten bekommt. Ich verlasse meinen Partner nicht, wenn ich imaginär den Orgasmus einer anderen Person herbeiführe. Dieser Spielcharakter, den der französische Spielanthropologe Roger Caillois in „Les jeux at les hommes“ (1958) als mimicry bezeichnet hat, bleibt erhalten. Dieses Spielen aber ist stets in sich lustvoll, befreiend, erholsam, unterhaltsam. Es ist nicht von Angst geprägt, sondern – im Idealfall – von Selbstgenuss und sozialer Kohäsion, es bindet mich noch stärker an andere Personen, mit denen ich zusammenlebe oder die ich als Freundinnen und Freunde sehr schätze.

RABOLT: Wie hat sich eine Kunstform, die ihre Existenz der Entstehung des Mediums Radio in den zwanziger Jahren des vorigen Jahrhunderts verdankt, in einer Zeit der allgegenwärtigen Popkultur verändert? Sind die bisherigen Formbeschreibungen des Hörspiels noch ausreichend, oder ist es an der Zeit, eine neue Beschreibung für ein umfassendes Korpus von Hörspielen zu definieren?

SCHULZE: Die entscheidenden Veränderungen der letzten Jahrzehnte lassen sich als Extreme an den Rändern beschreiben. Denn das konventionelle, illustrative, stark szenische Hörspiel mit Spannungsbogen, Plotpoints und Figurenentwicklung bleibt hiervon weitgehend unbeeindruckt. Hörbücher und klassisch inszenierte Hörspiele dieser Art gibt es weiterhin und sie verändern sich historisch oft wengier als zu erwarten. Doch an den Rändern der Hörspielkultur tut sich einiges: Einerseits lassen sich hier reportageartige, stark journalistische Formate beobachten in jüngeren Podcasts oder True Crime-Serials. Die Fiktion erscheint mir vollständig durch „wirkliche Ereignisse“ gedeckt und versorgt zu werden – die aber durchweg inszeniert, dramatisiert und szenisch neu aufbereitet werden. Es sind im Grunde allesamt Dokudramen, kleinteilig organisiert, im Serienformat aufbereitet und von journalistisch zuverlässigen Off-Erzählern legitimiert, argumentiert, kontextualisiert.

Andererseits erscheinen auch mehr und mehr Hörspiele, die gleichsam als lange Musikstücke erscheinen wie etwa „Gadji Beri #2016: DADA-Radio-Oper“ (Deutschlandfunk/NDR/SWR/WDR 2016) von Wittmann & Zeitblom. Solche Hörspiele verlassen die drei aristotelischen Einheiten aus Zeit, Raum und Handlung, die ein Drama durch ihre Konsistenz bestimmen, fast durchgängig. Es ist ein radikal postdramatisches Hörspiel, das hier die experimentelle Tradition des „Neuen Hörspiels“ um 1970 weiterführt – allerdings ohne dessen oft durchgängig sozialkritischen und medienskeptischen, aufklärerischen Grundzug. Die musikalischen Medienstücke sind eher inspiriert von Medienkunstprojekten der 1990er Jahre, wie sie etwa von der Redaktion „Hörspiel und Medienkunst“ des Bayerischen Rundfunks vielfach in Auftrag gegeben worden waren. Diese Hörspiele sind Medienspiele, Musikspiele, sogar Bühnenspiele, in die Soundeffekte, Dialoge, rhythmisierte Sprechpassagen, aber auch reportageartige und vollständig fantastische Szenerien eingeklinkt sind. Sie erzählen durch diese Klangmaterialien hindurch, in einer Springprozession, deren postdramatische Lust sich in der Überraschung und anregenden Verwirrung der Hörerinnen und Hörer artikuliert. Mir scheint: in diesem freudvollen Spiel mit Hörphänomenen kommt das Hörspiel ganz zu sich selbst. „Alles ist möglich, alles ist erlaubt. Das gilt auch für das Hörspiel.“ (Helmut Heißenbüttel, 1968)

Future Listening

2023-08-16 by Holger Schulze | Comments Off on Future Listening

What futures can be articulated through sound?

For the Brazilian journal Revista Música, two great colleagues in the field of sound studies, Rui Chaves and Pedro Oliveira, have conceived a Call for Papers for a special issue that delves into all the issues related to this question.

https://www.revistas.usp.br/revistamusica/announcement

They ask in their CfP:

“What speculations can be woven to reposition a critique and historiography still obsessed with a fascist and violent futurism whose Eurocentric framework is often ignored?

What future(s) exist or may come to exist in:

– propositions and analyzes of listening situated in indigenous knowledge, from the diasporas, and from the ante- and anti-colonial movements;

– listening to and with subjects beyond the human (non-human and more-than-human);

– listening beyond the ear and in dialogue with the so-called “Deaf and disability studies”;

– listening beyond the body, or beyond the idea of ​​the body as a colonial and colonized object;

– listening from/in the periphery, in the processes of (im)migration, and other listening located on the margins;

– listening as a political tool in uprisings and insurgencies in Latin America and in the so-called “Global South”;

– other propositions for border listening, relational listening, threshold listening.”

In addition to traditional formats, the editors encourage the submission of artistic and multi-sensory works (accompanied by a short abstract of up to 500 words).

***Submission deadline: 15 October 2023***.

Contributions can be written in Portuguese, English, French or Spanish!

https://www.revistas.usp.br/revistamusica/announcement

The Generativity of Mememagic

2023-01-16 by Holger Schulze | Comments Off on The Generativity of Mememagic

This spring semester 2023, I am on research leave. As a Senior Fellow at CINEPOETICS – Center for Advanced Film Studies at Freie Universität Berlin, I mainly work on book publications as well as participate in workshops and give talks. My colleagues here asked me three questions about my research. You can also read my three answers as a kind of written self-portrait.

In a few words, can you tell us about your current research interest?

For some time now, memes in all their crazy abundance have dominated public and political discourse in mediatized and networked societies all over the planet – for better or for worse. Yet their sonic and temporal structure has been mostly ignored in comparison to the text-image combinations they offer. However, with the emergence of TikTok in 2016 and the use of parodies, remixes, reworkings, and musical sampling, it has become clear that sound and music are an integral part of meme culture and all “unruly media” (Vernallis) around us. The new genre that emerges from this viral vortex is what I tentatively call “meme music”: it resists a whole set of common characteristics of a musical genre while painfully adhering to others. In my research, I ask myself and others: How does meme music succeed in using its consumers as incubators, “memecubators”, so to speak? How does meme music actually manage to make its impressive contributions to politics and pedagogy, to art and music? Can the craft of “mememagic” be understood as musical practice in a narrower sense? At what point does meme music become a sonic vernacular of our present?

How do you relate the term poiesis to your work?

After studying comparative literature in the 1990s, my early research focused on poiesis in the form of a generative theory of artifacts. In my first three monographs, I examined a range of poetological approaches in 20th-century literature, visual art, music, film, and design. Using detailed work analysis, field research, and media phenomenological studies, these monographs proposed to understand the process of creating an artwork as occurring in three different arenas: improvisation and combinatorics generate the formats and mannerisms of modernist artworks through a variety of aleatoric games (“Das aleatorische Spiel,” 2000); artistic practices of reflection on driving forces, working environments, and the development of a form of movement within the genuinely material continuum of the work provide heuristic strategies for moving from a decidedly arbitrary, improvised sketch to a more coherently structured work (“Heuristik,” 2005); and the contemporary tectonics of public presentation and publication employ and shape creators’ identities as media personae, including their performative media narratives, and place all of this on media stages to make their works accessible to a wider audience (“Intimität und Medialität,” 2012). This early research then led me to focus further on generative practices within sound art, sound design, and music production.

Marius Michusch: 19:42 Bagger extrem nah an Arbeitern und Polizei. Strategie von RWE; Aktivistisch nutzbare Fläche schnell wegbaggern. #Luetzerath (January 4th, 2023, 7:44pm)
Which film or other audiovisual format has resonated with you lately and why?

Recently, an image by German photographer Marius Michusch was quickly and widely shared across all social media platforms. Taken in the coal-mining region of the Rhineland, at the site of the climate protest against the relocation and factual destruction of the village of Lützerath, it shows three police officers, heavily armored like black stormtroopers, that are protecting the gigantic metal cog of a mining operation that can only be partially seen behind them, looming giantly. Michusch’s photo immediately became a meme of the struggle against a violent culture of fossil fuel extraction and the combustion engine, a meme of resistance against the capitalist climate catastrophe. Although not an audiovisual format in the strict sense of the word, this image gained viral traction because it immediately captured the cinematic imagination of readers and viewers who recognized in this photo a scene from George Lucas’ “Star Wars” or Denis Villeneuve’s “Dune”: the overbearing, thanaticist Empire destroys the very substance of life in its greed for extraction, massive territorial gains, and the greatest possible financial and military revenues that alone keep the empire alive. “Thanaticism: a social order which subordinates the production of use values to the production of exchange value, to the point that the production of exchange value threatens to extinguish the conditions of existence of use value.” (Wark) Now, however you interpret the dynamics of this social and generational conflict, “mememagic” has once again worked wonders: it has transformed a rather random picture on rough terrain into a merchandise-friendly and sound-driven blockbuster movie. Can’t you hear the massive sub-bass of the metal cog in the glare of the paramilitary police operation?

Hearing Impairment as Audio Filter

2022-11-02 by Kornelia Błoch | Comments Off on Hearing Impairment as Audio Filter
Graphic prepared by the author based on her audiogram results.

Whenever I attend the live set, even though I am surrounded by my closest friends, I’m dealing with a sense of isolation. Shouldn’t music be what empowers the sense of social identity?

I am hard of hearing as well as an electronic music enthusiast. I have always been an observer and I have always seen that my companions’ reactions to the music we listen to together are different from mine. I tried with all my might to feel what they felt – with poor results. Which made me sad and irritated. Would I never be able to fully appreciate the aesthetics of sound? Eventually, I began to look more deeply into my experiences.
I noticed that in certain parts of music works, the only thing I was able to perceive was the rhythmical bass (I always started to get a little bored in these parts). However, upon deeper concentration, I realized that there are sounds behind the “rhythm”. Sounds that I can’t reach, as if they are behind a wall that I can’t tear down. Then, the wall itself came down, and I was met by a cascade of sounds – which I fully appreciated for the first time. I looked at my brother, who was standing next to me, looking unfazed. That’s when I realized that my perception of sound is not inferior, what is more sometimes it can be even more interesting than my companions’ one.

It occurred to me that my sense of isolation was due to the fact that instead of appreciating my experiences, I was striving for a perception of sound that is considered standard. In my experience, people often think that as a hearing impaired person, I just perceive music more quietly. I used to think so, too. Such a view of hearing loss evokes compassion – completely unnecessarily. Jonathan Sterne in his recent book Diminished Faculties: On Impairment (2022), explains that each of us has our hearing scarified* in some way. Our lifestyles, noisy cities, musical preferences, all leave a mark on our hearing. Some of the scarifications are considered disabilities, others no longer. So, we all hear the same piece of music differently, we are all
somehow alone with our experiences – and realizing that, may gather us together.


So why do we so hardly ever look at the difference in sound perception? Why do we fail to see the beauty that comes from the range of diversity in our experiences? Why do we strive for so-called perfection that no one can achieve? In my opinion, it stems from the fact that we don’t know how to talk about them. Our imagination appeals to experience. I believe that we won’t be able to understand and, moreover, talk about the idiosyncrasies of music perception until the differences are shown to us.

My solution is an experiment – an event in which participants will experience and debate how the reception of the same soundtrack changes according to different hearing conditions. These changes will be based on the results of audiograms of pre-selected individuals. You can see an example of such an audiogram in the graphic at the beginning of the post.

What possibilities would this knowledge open up for music composition and production? For design? For communication?

Stay tuned!
More info soon…

*Jonathan Sterne believes that terms Hearing Impairment or Hardness of Hearing are restrictive. Instead, he proposes the term Hearing Scarification, as a person’s hearing condition reflects their lifestyle.

What Sounds Do

2022-06-08 by Holger Schulze | 2 Comments

NOTE: Registration is now open. Click right here!

Sounds are ever present: They continue to envelop and move through you and me in every single moment. But what agencies drive those sounds, what sort of personae are performed, in historical periods as well as today or in the near future? What social relations occur as a result of sound? And how might our embodied experiences and sensibilities create new bodies of knowledge? 

To which forms of experiences with our bodies, with objects, within social relations and with peculiar situations and sensibilities might this lead? Which sonic fictions escort us and how do we listen with our sonic corpus?

In this four-day conference between September 13-16, 2022 researchers from the Sound Studies Lab at the University of Copenhagen and international scholars such as Andrey Smirnov, Jordan Lacey, and artists like Niels Lynne Løkkegaard invite you to explore these questions of an anthropology of sound.

The conference includes keynote lectures by Salomé Voegelin and Dylan Robinson, research workshops by Jenny Gräf Sheppard, Ania Mauruschat, and Giada Dalla Bontà, sound works and performances as well as roundtable discussions ​that contribute to the ​work on an Encyclopedia of Sound Studies, ​currently conceived by ​Michael Bull, ​​Holger Schulze, ​and Jennifer Stoever.​

Join us, the Sound Studies Lab, into these sonic experiments of sensing and thinking.

WHAT

SOUNDS

DO

New Directions in an

Anthropology of Sound

Date: Tuesday to Friday, September 13-16, 2022

Location: Rhythmic Music Conservatory Copenhagen, Leo Mathisens Vej 1, 1437 Copenhagen/Denmark

A Conference of the Sound Studies Lab at the University of Copenhagen, Department Arts & Cultural Studies – in collaboration with the Rhythmic Music Conservatory Copenhagen and the Royal Academy of Fine Arts Copenhagen.

Funded by Carlsbergfondet, the Rhythmic Music Conservatory Copenhagen, and the Department Arts & Cultural Studies, the research clusters Global Entanglements and Art & Earth at the University of Copenhagen.

Postcolonial Repercussions

2022-05-31 by Holger Schulze | Comments Off on Postcolonial Repercussions

These days the sixth volume in the Sound Studies Series (since 2008) is being published by Transcript Publishing:

Postcolonial Repercussions:

On Sound Ontologies and Decolonised Listening

Edited by Andi Schon and Johannes Salim Ismaiel-Wendt

You will encounter in this publication a series of exciting, groundbreaking and thoroughly original contributions e.g. by Marie Thompson, Pedro Oliveira, Shanti Suki Osman, Gilles Aubry, Birgit Abels, Henrique Souza Lima and many more!

Like the previous volumes, this publication in our book series explores and opens up another new area of research within Sound Studies:

And it does so in a way that allows readers to continue, sharpen, and advance their own investigations on a new level – and to bring them into conversation with relevant authors, artists, and researchers.

Many thanks to the great and dedicated editors for bringing together such a lively group of contributors and putting together such a great volume!

Thank you all for continuing to push the envelope of sound research….

Sound Art in the 21st Century

2022-05-25 by Holger Schulze | Comments Off on Sound Art in the 21st Century


What is sound art in the 21st century? Who are today’s performers, and what do they do to find and create sounds that make us listen, think, discuss, doubt, or imagine? What sounds have been made and presented recently to attract an audience of listeners, artists, fans, researchers and aficionados? How do genres of popular culture relate to sound art?

On June 9th, from 7pm we want to celebrate at Errant Sound in Berlin Kreuzberg the publication of a handbook that addresses precisely these questions: Sanne Krogh Groth and Holger Schulze’s “Bloomsbury Handbook of Sound Art” (2020). The 24 chapters by 37 authors from 13 countries examine a range of performances, installations and practices, including sound, listening and sensing.

Together with you, we wish to listen to three performances and presentations by Janine Eisenächer, Jeremy Woodruff and Laura Mello – and to explore the aspects of these works, and to discuss the current state of sound art in the 21st century with Elke Moltrecht, Rolf Großmann, Macon Holt, Sanne Krogh Groth and Holger Schulze.

Join us & let us listen to the handbook, let us explore the performers’ achievements together!

A book release evening for:

The Bloomsbury Handbook of Sound Art

Edited by Sanne Krogh Groth & Holger Schulze

Errant Sound, Rungestr. 20, 10179 Berlin

Thursday, June 9th, 2022

19:00 – 21:30 (doors 18:30)


Programme

18:30 Doors

19:00 „Voices-Castles-Clouds“ (Lecture Performance) by Laura Mello (BRA/Berlin)

19:20 What is Sound Art in the 21st Century?

With Elke Moltrecht (Berlin), Sanne Krogh Groth (Lund), Macon Holt (Copenhagen), Rolf Großmann (Lüneburg), Holger Schulze (Copenhagen)

20:00 Break, drinks, chats

20:15 „Klangkompost“ (presentations) by Jeremy Woodruff (Berlin)

20:30 What can Sound Art do?

With Jeremy Woodruff (Berlin), Laura Mello (BRA/Berlin) & Janine Eisenächer (Berlin)

21:00 „THING SOUNDS/ SOUND THINGS — An alphabet of sound-practical actions vol. 1“ (Sound Performance) by Janine Eisenächer (Berlin)

21:20 Drinks and chats

120 Years of Sound Art

2022-03-08 by Holger Schulze | Comments Off on 120 Years of Sound Art

What is sound art in the 21st century? Who are today’s performers, and what do they do to find and create sounds that make us listen, think, discuss, doubt, or imagine?

What sounds have been made and presented recently to attract an audience of listeners, artists, fans, researchers and aficionados?

On Wednesday, 23rd of March 2022 we wish to celebrate in Copenhagen’s Statens Værksteder for Kunst two recent publications:

Lars Lundehave Hansen’s “20 Years of Sound Art” (2021) and Sanne Krogh Groth and Holger Schulze’s “The Bloomsbury Handbook of Sound Art” (2020).

The box set and the handbook presented examine a range of performances, installations and practices, including sound, listening and sensing. Together with you, we want to explore the different aspects of both of these works.

We invite you to an exciting afternoon that delves into various aspects of sound art through talks with authors and researchers who contributed to both publications, as well as an artist talk and sound performance from Lars Lundehave Hansen.

Where: ‘Formeriet’, Statens Værksteder for Kunst, Strandgade 27 b, 1401 København

When: Wednesday March 23rd, 2022, kl. 17.00-19.00

Let us listen to the handbook together,
let’s read the record album in company!

Sound Studies Lab Lectures 2022

2022-02-28 by Ania Mauruschat | Comments Off on Sound Studies Lab Lectures 2022

“What do we want? Climate justice. When do we want it? Now!” Battle cries of climate change activists like that can be understood as evidence for the proposition that especially in recent years climate crisis and species extinction have become a sounding crisis. Responsible for this novel energizing sound of the crisis are – despite the long history of the green movement – in particular the climate activist movements Fridays for Future (FFF) with its female spokesperson Greta Thunberg and a majority of female activists, and Extinction Rebellion (XR). They started their protests in European metropolises in and around 2018; over the course of 2019, European climate activism transformed from a local and regional into a global, hybrid off- and online movement with allies and offshoots on every continent.

One of its most important allies’ are artists researching via the means of sound political and energetic alternatives to contemporary practices, institutions, rationalities, and sensibilities of western, capitalistic societies, which are of European origin. The lecture series is intended to spur the discussion about the potential of sound to uncover new analytical and methodological approaches and tools, which are needed to cope with the current climate crisis as the biggest threat to humanity.

The lecture and workshop series comprises two events in March 2022, which will be focusing on artistic, feminist, and new materialist approaches to the relationship of climate change and sonic agency.

March 10, 2022, 17:00 to 18:30, University of Copenhagen, Southern Campus, room 15a.0.13

Guest speaker: Dr. Åsa Helena Stjerna, Sound Artist and Artistic Researcher, Stockholm (S)

Sonic Visions of the Arctic:
Tracing Sound’s Inherent Agency

March 24, 2022, 17:00 to 18:30, University of Copenhagen, Southern Campus, room 15a.0.13

Prof. Dr. Salomé Voegelin, Sound Artist and Professor of Sound, London College of Communication, London University of the Arts (UK)

Listening to Wicked Problems:
Sound Studies as Transversal Studies

You can find more details on both lectures right here — on the project website of Sounding Crisis: Sonic Agency as Cognate Energies for Climate Action in Denmark/Greenland & Australia

HOW TO DO THINGS WITH SOUND?

2022-02-18 by Holger Schulze | Comments Off on HOW TO DO THINGS WITH SOUND?

Sonic fictions are everywhere: in conversations about vernacular culture, in music videos, sound art compositions, and on record sleeves; in everyday encounters with sonic experiences and in every single piece of writing about sound. Where one can find sounds one will also detect bits of fiction.

A still from Ayesha Hameed’s video “In the Shadows of our Ghosts” (2018) combined with a sequence from the video “Encounters of the Third Type” (1989) by the soviet collective The New Composers.

In 1998 music critic, DJ and video essayist Kodwo Eshun proposed this concept in his book “More Brilliant Than The Sun: Adventures in Sonic Fiction”. Since that year I wanted to explore all the ramifications and repercussions of Eshun’s work. In 2020 Bloomsbury Academic published my little introduction, “Sonic Fiction“, to the wide variety of activist, political, epistemological, decolonial, social, and aesthetic interpretations and applications of sonic fiction in the last two decades.

For our evening on “HOW TO DO THINGS WITH SOUND?” at the Haus der Kulturen der Welt Berlin on March 3rd, we invited three artists, curators, and scholars who will take you on a journey into some of the more unexpected sonic fictions of this or the last century:

Artist and scholar Ayesha Hameed discusses with me the activism and heuristics inherent to sonic fictions, with a special focus on her artistic practice and his thought figures. Curator and scholar Giada Dalla Bontà brings to the table the sonic fictions within underground sound art of the late Soviet Union. Marcela Lucatelli, composer and performer, presents to us sonic fictions as part of a new performance and composition. And scholar and artist Pedro Oliviera will safely guide us through this variety of thoughts and creations.

In this podcast, produced by the Haus der Kulturen der Welt, Giada Dalla Bontà and trace selected developmental lines of sonic fiction: in the final years of the Soviet Union, how did the subculture win over conceptual and real freedoms? Did a trail lead from occupied houses in Moscow and St. Petersburg to the Afrofuturism of Sun Ra and Missy Elliott? We follow the mythical language around the term coined by Kodwo Eshun and explore the potential of sounds and their narratives as a liberating force.

Join us, on Thursday, March 3rd, 2022, 8pm at the Haus der Kulturen der Welt Berlin for an evening on sonic fiction in the arts and in activism!

Tickets can be purchased right here.